La recién renovada National Portrait Gallery (NPG) abrió sus puertas al público hace muy pocos días y, como corresponde a los peregrinos del arte, la visita resulta obligada. Luego de 3 años de renovación y 41 millones de libras, encontramos al museo con su vasta colección distribuida elegantemente, aunque en algunas salas las luces sigan reflejándose en las fotos enmarcadas. Una mención aparte merece la puerta de entrada, en la que la artista Tracey Emin cinceló, sobre los paneles de bronce, el rostro de 45 mujeres destacadas. 

Visitar la colección permanente es gratis y aunque la concurrencia sea abrumadora, recorrer las salas donde se exhiben los retratos de la familia real sigue siendo la atracción dominante y obligatoria. Nada mejor que empezar con la Princesa Diana, quien refrescó la imagen de la monarquía con su enorme popularidad. El retrato anterior fue comisionado para recordar el anuncio de su compromiso con el entonces Príncipe de Gales. Se la muestra en el Yellow Drawing Room del Palacio de Buckingham y el punto de atención son sus pantalones (la prenda se define como un avance o un cambio radical en los retratos reales).

Los retratos de la familia real reflejan momentos particulares de la historia de Inglaterra, como por ejemplo el reencuentro de todos tras la Segunda Guerra Mundial y con un mundo ya en paz, o justo antes de la Gran Guerra (Primera Guerra Mundial), con el rey de traje militar, o la entrega de una Biblia a un hombre, aparentemente de África, exorcizado por la presencia de la Reina y su acción. 

Dejamos para el final uno de últimos retratos que se le tomó a la pareja real de Isabel y Felipe. El fotógrafo Thomas Struth logró una representación auténtica, que revela franqueza, en la que dos ancianos se muestran en su hogar, a pesar del boato y el lujo que los rodea.

12/06/23 - En la ciudad de Amsterdam (Países Bajos), un museo independiente con una colección de arte moderno, contemporáneo y callejero nos ofrece reflexionar sobre la sociedad actual. 

MOCO (Museo Moderno Contemporáneo) exhibe, en una antigua casa, una variedad particular de artistas con un invitado: esta vez Banksy se mezcla entre Yayoi Kusama, Damien Hirst y Basquiat. De nuestra visita rescatamos a The Kid (el alias de Robin Kid), de quien nunca habíamos visto pinturas y fue una verdadera sorpresa por su habilidad para el dibujo y sobre todo porque es autodidacta. Cuenta la cartela que se apropió de las técnicas tradicionales de los viejos maestros europeos para denunciar situaciones políticas y sociales del siglo XXI que deben afrontar los jóvenes, como la desigualdad de oportunidades, el racismo y el abuso en los derechos civiles.

El virtuoso THE KID (1991) comparte espacio con Corrupted Oil-Jerry de Banksy, en la que la apacible campiña inglesa se ve invadida por un comic que pretende repintar el lienzo. Éste es uno de los trabajos más importantes del artista inglés. Con la intervención en el paisaje tradicional (también pintado por Banksy), el artista desafía el clásico canon occidental con la cuasi-violenta aparición de Jerry con un equipo de pintor.

En uno de los pasillos instantáneamente reconocemos los zapallos de Yayoi Kusama, esas figuras llenas de humor con motivos adorables. Según la artista, “lo que más me llamó la atención de los zapallos fue su condición generosa y sin pretensiones".

Y sobre la otra pared también reconocemos a distancia a Takashi Murakami. Ambos compatriotas presentan obras simpáticas y los dos trabajaron para la misma marca de carteras de lujo (Louis Vuitton).

Serigrafía sobre tela 

Edición de 100

El recorrido finaliza con Diamond Matrix que, como su nombre indica, es una instalación interactiva con espejos que reflejan miles de diamantes. Studio Irma, los creadores, cuentan que la piedra, que nace a partir del carbón, sufre varias transformaciones hasta convertirse en diamante (es una de las estructuras más duras que existen en el planeta) para luego volverse joya, admirada por el brillo de sus reflejos. Usan la palabra “estrés” para ejemplificar el proceso y, a partir de ese concepto, comparan el recorrido que hacemos en nuestra vida:  complicada y difícil para volvernos fuertes y hasta resplandecientes como un diamante.

En una pared del museo Banksy escribe esta frase "Winners are not those who never fail, but those who never quit", demostrando que no existen los montajes tradicionales sino las sorpresas a los visitantes. Ya casi cerca de la salida, MOCO explica que celebran a los artistas que producen excepcionales contribuciones a la cultura y al mundo en general. 

Lamentation over the Dead Christ, de Andrea Mantegna (1483)

Madonna and Child with Saints, Angels and Federico da Montefeltro (San Bernardino Altarpiece), de Piero della Francesca (1472 – 4)

Medidas: 251 × 172 cm

La Pinacoteca de Brera es un edificio ubicado en el corazón de Milán y cuenta en su colección con una serie de obras icónicas de la historia del arte. Por ejemplo aquellas pinturas  que ocupan espacios privilegiados en los libros, como la obra de Piero della Francesca, que distribuyó seis santos y cuatro ángeles en semicírculo (rodeados de diferentes tipos de mármol), alrededor de la Virgen y el Niño. Esta corte celestial cuenta además con el comitente de la pintura: Federico de Montefeltro  (el señor de Milán), abajo a la derecho con espada. Es una pintura silenciosa  porque los labios de las figuras están sellados: solo es contemplación.

"Cena en Emaús" es una pieza sublime de Caravaggio, probablemente pintada en Colonna, donde el artista de refugia luego de haber asesinado a Ranuccio Tomassoni y a continuación la obra más fotografiada de esta colección: "El beso", de Francesco Hayez, un pionero del Romanticismo en Italia. Se exhibió por primera vez en 1859 justo en la 2da Guerra de la Independencia, una victoria que logra la naciente Italia gracias al apoyo del ejército francés. No solo nos sentimos atraídos por la imagen del beso sino porque se reconocen en las vestimentas los colores de ambas banderas. 

Éstas son algunas de las estrellas de la colección que se exhibe en un edificio que supo ser monasterio en el Siglo XIV hasta que se convirtió en un Instituto de Arte y Biblioteca. En el siglo XIX y gracias al artista y erudito Giuseppe Bossi se adquieren las primeras pinturas con la pretención de ser otra Galería de los Ufizzi de Florencia.

18/10/22 - El recientemente renovado Museo Nacional de Oslo reúne bajo un mismo techo tres instituciones que albergan más de 6500 obras de artistas de todo el planeta y de los distintos movimientos de la historia del Arte.  El estudio de arquitectura de origen alemán que llevó a cabo la transformación decidió apostar por la longevidad del edificio en vez del sensacionalismo con que se destacan otros museos contemporáneos. Por lo tanto, la austeridad es lo que marca el tono, una manera muy particular de obligarnos a conectar con lo que se exhibe y no desviar la mirada en otros ornamentos. Es así que descubrimos a Harald Sohlberg, un artista noruego de principios del siglo XX que describe con su pintura un paisaje invernal de su país. 

Winter Night in the Mountains, de Harald Sohlberg (1914)

Técnica: óleo sobre tela

En las salas de pinturas de los siglos XVI y siglos XVII se destaca la familia Gentileschi. Padre e hija resuelven con realismo pasajes bíblicos con figuras que emergen desde la oscuridad para crear intensidad y drama. La intención: impresionar al observador con un mensaje espiritual en tiempos donde la religión era guía del creyente.

Judith and her Maidservant with the Head of Holofernes, de Orazio Gentileschi (ca. 1608-1612)

Técnica: óleo sobre tela

Saint Katharina of Alexandria, de Artemisia Gentileschi (ca. 1614-1615)

Técnica: óleo sobre panel

Mary Magdalene Penitent, de Artemisia Gentileschi (ca. 1640)

Técnica: óleo sobre tela

La estrella de todo el museo es El Grito de Edvard Munch en su versión más famosa, la de témpera y crayón sobre cartón. “La pintura más innovadora en contenido y en técnica”, así es como la define la cartela y agreguemos que es la que convoca al público en este museo. Munch representó íntimamente a la sociedad moderna, alejándose de los temas de su época (finales del siglo XIX), en la que los hombres leían y las mujeres tejían. Por el contrario pintó a aquellos que sufrían por amor, a los desesperados, a los engañados y a las jóvenes obligadas a prostituirse, por ejemplo.

The Scream, de Edvard Munch (1893)

Técnica: témpera y crayón sobre cartón.

Self-portrait with cigarette, de Edvard Munch (1895)

Técnica: óleo sobre tela.

Puberty, de Edvard Munch (1894)

Técnica: óleo sobre tela.

The dance of life, de Edvard Munch (1899-1900)

Técnica: óleo sobre tela.

Las salas, con una curaduría que valoriza la línea del tiempo, continúan en todos los pisos del museo hasta llegar al arte contemporáneo, con objetos e instalaciones de los artistas más reconocidos por el mercado. En definitiva el Nasjonalmuseet nos ofrece, como otros museos representativos de un país, un recorrido donde priman los artistas propios, lo cual ofrece a los visitantes una oportunidad para entender las expresiones nacionales.