Lucen pesadas a simple vista, quizás por el material que las compone, pero en realidad su liviandad es exagerada, pues son huecas. Curvas y contracurvas caracterizan estas figuras-objetos que, además de ligeras, resultan maleables, como las huellas que deja un zapato. Es por eso que el artista Richard Deacon tituló al conjunto, justamente, Tread (Huella).

Tread, de Richard Deacon

Thaddaeus Ropac Gallery, Marais, Paris

 Vista general de la exhibición 

Richard Deacon New Works

Thaddaeus Ropac Gallery, Marais, Paris

09/05/23 - Cada temporada invernal el pequeño centro de esquí Gstaad en Suiza invita a un artista a exhibir su trabajo en medio de la nieve. Como las piezas se exponen a la intemperie  requieren ciertas características  particulares  en los materiales para que, ni las bajas temperaturas ni las nevadas, las afecten. En la última temporada el artista nacido en Sudáfrica William Kentridge presentó dos trabajos monumentales con el título Solo Singer.

Ambas esculturas dialogan entre sí en medio de un paisaje blanco y, según la cartela, es la primera vez que el artista expone a la intemperie en Suiza. A pesar de la rigidez del material, es posible advertir cierto movimiento en Her, como adelantándose sobre Cape Silver. En esta última Kentridge recurre a la figura de una cafetera con cierto aspecto antropomórfico. 

La expresión en las dos piezas es evidente: parece que estuvieran conversando entre ellas y abriéndose lugar en el espacio que las rodea.

Strangers Clay: Ceramics in Contemporary Art fue una expo de la galería londinense Hayward, donde se exhibió un extenso grupo de artistas contemporáneos que usan la cerámica para sus trabajos.

Los tres pisos de esta galería (que cobra entrada a los visitantes) fueron ocupados por las obras y tanto la curaduría como el montaje y la cantidad de objetos exhibidos podrían haber formado parte de cualquier museo de Arte Contemporáneo (extraordinaria).

Para este recorrido y para un mejor desarrollo de este post, nos focalizamos en los artistas expuestos:

Betty Woodman (USA 1930-2018) se anuncia ni bien se ingresa a la muestra con una extensa instalación de elementos en cerámica esmaltada. En realidad se trata de una serie de fragmentos dispersos por toda la pared de la sala, como por ejemplo una cascada de vasos y vasijas pigmentadas que caen con cierto dramatismo hacia el piso. Aunque este dramatismo se diluye debido a la coloración y al ritmo que imprime la artista a su cerámica, como un arco iris de objetos con innegable influencia griega. 

Liu Jianhua (China, 1962) presenta alrededor de cien objetos que recorren toda una pared de la galería, pero a diferencia de Woodman, las piezas no están coloreadas. El material es porcelana en realidad y la artista incluyó además de objetos cotidianos, juguetes y hasta prendas de vestir. Llama la atención lo imperfecto de los objetos, ya sea porque se observan las huellas dactilares (que suponemos son de la artista) como roturas y descascarados, probablemente del proceso de producción, recordándonos, entonces, la fragilidad del material. 

Lindsey Mendick (UK, 1987) desató su furia en cerámica entregándonos un mini-departamento invadido de especímenes desagradables. La cartela cuenta que la artista nos presenta un hogar como si fuera un campo de batalla, a partir de una multitud de elementos en cerámica divididos en pequeñas escenas llenas de drama y conflicto: exudan humor cada una de las representaciones. Esta tragicómica instalación es de un detalle y de una minuciosidad asombrosa: aplausos para Mendick.

David Zink Yi (Perú, 1973) tiene el mérito de la obra más fotografiada de la muestra. No es para menos, se trata de un calamar gigante recostado en el suelo del último piso de la galería. La pieza en cerámica, reproducida hasta el último detalle, yace sobre su propia tinta. Luce aún más real, como recién salido del agua, porque el artista glaseó con un proceso minucioso el cuerpo del molusco. No podemos dejar de preguntarnos si existe así en la naturaleza o es un animal mitológico o extinto.

Klara Kristalova (República Checa, 1967) es la artista de la última instalación que presentamos de esta muestra. Kristalova se remite a la infancia y tridimensionó el cuento de Caperucita Roja, o cualquier otra fantasía infantil donde el lobo es el protagonista principal. Son 18 figuras entremezcladas con pasto seco alrededor (como si fuera un bosque que sufrió una apocalíptica sequía), donde se destaca el lobo acompañado por una serie de hibridaciones tenebrosas, propias de los cuentos infantiles o mitológicos.

Una curaduría minuciosa que reunió a varios artistas que trabajan con este material, que puede resultar menospreciado o hasta fuera de lo que se exhibe habitualmente en la contemporaneidad.

08/08/22 - En cualquier calle del mundo puede aparecer una sorpresa, para los que peregrinamos por arte muchas obras se descubren caminando. Justamente, en un paseo por Milán, nos topamos con una instalación site specific en forma de nido frente a una galería. El artista es Tadashi Kawamata (Japón, 1953) y a primera vista reconocemos el respeto por la naturaleza que sobrevuela la escultura. El material es reciclado por la forma en que luce, y la estética es, verdaderamente, la de un nido: una estructura natural que poco o nada apreciamos en las ciudades densamente pobladas. 

Esta superestructura sobresale del edificio hasta casi conectarse con quien camina por la vereda. Es un llamado de atención: la naturaleza está en peligro! Aunque depende del ánimo que tengamos en el momento de encontrarnos con este maravilloso Nido, podemos llegar a ver en él un lugar para guarecernos. Porque esa es su función, ser un refugio para los pichones de los depredadores. De cualquier caso, la estructura conlleva una visión positiva, un sensación de cobijo y bienestar… Y pensar que su factura es tan simple que la puede realizar un ave. 

Nests in Milan, de Tadashi Kawamata

11/07/22 - La instalación permanente de Anselm Kiefer (Alemania, 1945) en Pirelli Hangar-Bicocca, llamada "Los Siete Palacios Celestiales", título que refiere a un texto antiguo hebreo, encapsula el objetivo principal de la práctica del artista: su interés por las religiones, particularmente el judaísmo. Este trabajo pretende, a través de las estructuras edificadas a lo alto, reflejar la intención del hombre de alcanzar el cielo (un ascenso hacia lo divino). Cada una de las construcciones mide entre 14 a 18 metros de altura y fueron realizadas sobre una base de concreto a partir estructuras modulares colocadas una sobre otra. 

Es realmente todo un espectáculo visual, montado en un espacio amplísimo y con una iluminación casi en penumbra, que solo destaca cada una de las esculturas. 

Pirelli Hangar-Bicocca, Milán 

08/07/22 - A pasos del Museo Pompidou de París se ubica el Atelier Brancusi, un espacio que hizo realidad el deseo del artista de preservar sus esculturas unificadas tal como si se tratase de una instalación. Como él solía explicar, con esta agrupación  podía controlar el “comportamiento” del trabajo realizado en relación al espacio que lo contenía.  Otra de las variables fundamentales para Brancusi (Rumania, 1876-1957) era la luz y fue muy específico con respecto a ello, por eso el techo del taller  es vidriado, lo cual permite una iluminación basada en las condiciones climáticas de la ciudad.  Pero, además de la relación con los factores que las circundan,  lo más importante es la interrelación entre las esculturas mismas, convirtiendo a este estudio casi en un templo. Brancusi ensambló gradualmente cada pieza según el momento en el que las iba produciendo y como él mismo quería que se perpetuaran: los objetos de mármol, los de madera, los de piedra, los bronces. De esta manera nosotros, como visitantes curiosos, tenemos una visión completa de sus trabajos y vivimos el paseo como una experiencia. 

27/01/22 - Yorkshire Sculpture Park (YSP) es  un espacio de exhibición al aire libre de escultura moderna y contemporánea desde hace 40 años. Se ubica a 2 horas de tren desde Londres, exactamente a unos 11 km de Wakefield, en West Yorkshire y  ocupa 500 acres (182 hectáreas) sobre un territorio ligeramente ondulado en donde pastan, plácidamente, centenares de ovejas. En este espacio natural y totalmente al aire libre  se distribuyeron esculturas e instalaciones monumentales de  artistas de todo el planeta. El conjunto exhibido corresponde a obsequios de los mismos artistas o de coleccionistas,  préstamos y  hasta comisiones de  site-specifics  distribuidas armoniosamente en toda la superficie.  Se exponen en total cerca de 100 trabajos que se pueden admirar durante un recorrido que lleva unas 5 horas.

Large totem head, de Henry Moore (1968)

Bronce

Large Spindle Piece, de Henry Moore (1968)

Bronce

Snowman, de Gary Hume (2014)

Bag of Aspirations, de Kalliopi Lemos (2018)

The Virgin Mother, de Damien Hirst (2005-6)

Bronce pintado

Una de las presencias más poderosas corresponde a The Virgin Mother de Damien Hirst, una escultura de más de 10 metros de alto en bronce pintado, que resalta sobre el Lower Lake de la propiedad. Lo mismo ocurre con las piezas de Henry Moore, quien exhibe numerosas esculturas, tal como si el terreno se adaptara a éstas o éstas a YSP.  Es una oportunidad invaluable para apreciar en estos trabajos el  juego  entre  llenos y vacíos,  la tensión y la energía entre los diferentes puntos, la materialidad, la organicidad y, sobre todo, la escala!! Casi no hay restricciones en cuanto a acercarse y tocar, solo está prohibido subirse a las obras. Y como cada una de las esculturas tiene varios puntos de vista, amerita siempre un recorrido circular. 

Un simple y bellísimo hombre de nieve en un estanque artificial (no solo la geografía acompaña, sino toda la naturaleza), pertenece a Gary Hume. Se trata de  una figura infantil en la cual el artista explora estructura y color mientras nos sugiere que imaginemos algo más en esas dos simples formas blancas ubicadas una sobre otra. Qué decir de la apropiación del bolso tan famoso y deseado de la firma francesa Hermès. Lemos se cuestiona la necesidad de la pertenencia del objeto para obtener la aprobación del mundo exterior y brindar seguridad a quien lo posee. 

Finalmente, en esta pequeñísima selección elegimos a Leiko Ikemura, la artista japonesa que con Rabbit Madonna  representa a una particular coneja, con atuendo y rostro femenino, en referencia al subsecuente reporte sobre los  defectos  en  los animales luego del desastre nuclear de Fukushima en 2011. 

No hay un lugar que no produzca admiración y, a pesar de la temperatura y del viento, es digno de recorrer en toda su dimensión.