El Pabellón maltés en la Bienal de Venecia presenta Diplomazija astuta (Diplomacia astuta), una re-imaginación de la icónica pieza de Caravaggio "The Beheading of Saint John the Baptist" (La Decapitación de San Juan Bautista) de 1608, un trabajo que realizó para la Co-Catedral de San Juan de La Valeta, en Malta. 

Se presenta como una instalación site-specific, cinética e inmersiva, que superpone la narrativa bíblica con el presente, reescribiendo aquello que definía el altar del artista del siglo XVII con la cultura visual contemporánea. Para ello el equipo curatorial nos incluye en la composición y en la temática espacial de la pintura de ese complejo momento de tragedia y brutalidad que significó la ejecución del santo. ¿Cómo?  Se recreó la atmósfera de semi-penumbra de la pintura y se representó a los personajes con piletas de hierro que simulan altares. Todo en perfecta armonía compositiva, tal como resulta en la obra de Caravaggio. Esta austera escenografía nos ubica dentro de lo que era una prisión del 1600. Pero para rehacer la luz del artista se utilizó un programa que activa determinado sistema que funde acero a 1500 grados Celsius. Cada cierto tiempo deja caer el metal incandescente en las cubas que contienen agua. Una vez que el metal rojo fuego se enfría toda la instalación vuelve a estar a oscuras. 

Diplomazija astuta (Cunning Diplomacy o Diplomacia astuta), de Arcangelo Sassolino (2022)

Materiales: acero, agua, sistema eléctrico

Este pabellón es uno de los más visitados por su espectacularidad pero pocos se adentran en todo lo que esconde detrás de las rejas, que por motivos de seguridad nos separan del centro de la instalación.

16/05/22 - La visita a Arsenale, el segundo espacio donde se exhibe la muestra curada por Cecilia Alemani, se inicia con la ganadora del León de Oro, Simone Leigh. Se trata de una escultura monumental de casi cinco metros de altura, en bronce, con la figura sintética de una mujer, aparentemente africana, con rasgos virtuosamente definidos por la artista. Es un trabajo poderoso, montado estratégicamente, y quizás la imagen más fotografiada de esta Bienal. Un dato curioso: es la primera vez en 127 años de bienal que una artista de raza negra recibe el máximo galardón.

Nuevamente aquí la curadora repite “las cápsulas del tiempo” que ya habíamos visto en Giardini y que contrastan aún más con este espacio de salas con grandes dimensiones, ocupadas por obras expansivas. Las cápsulas son compactas y en espacios condensados. Una de ellas corresponde a un verdadero descubrimiento: Aletta Jacobs (Países Bajos, 1854-1929), que presenta cinco modelos en papel maché que refieren a los distintos estadios de la gestación. Exhibir a Jacobs, que fue la primer mujer admitida en una universidad holandesa, es ciertamente inusual y seguramente un desafío que nos propone Alemani, ya que se aspira a que solamente se presenten artistas vivos y en actividad. Pero la curaduría consideró que estas presencias femeninas, que no tuvieron un lugar en la historia del arte en su momento, son las antecesoras de lo que se produce hoy.

Womb models by the Ateliers Auzoux, de Aletta Jacobs (1840)

Las formas uterinas se repiten en Marguerite Humeau (Francia, 1986) pero en dimensiones superlativas. Estas esculturas biomórficas pivotean entre la representación de la procreación en alguna civilización futura y una imagen de lo que pudo ser la creación en el inicio de los tiempos. Sin embargo la artista es una fiel referente del proteccionismo natural, sobre todo de los océanos.

Teresa Solar (Madrid, España 1985) también exhibe esculturas monumentales que rondan entre lo natural y lo artificial. Destacamos una instalación a gran escala de estructura zoomórfica que se asemeja a las branquias de los peces. 

Este acotadísimo grupo es excelente para demostrar que, a través de tanta fantasía, Cecilia Alemani apuesta a imaginar un nuevo futuro con cambios en el canon histórico del arte. Así damos por finalizada la visita por la muestra que da origen a esta Bienal, que es una verdadera sorpresa y un bálsamo para los sentidos.

Luego de tres años Giardini y Arsenale volvieron a abrir sus puertas para recibir a miles de visitantes ansiosos por ver qué está pasando en el mundo del arte. Y vaya sorpresa cuando nos encontramos con una curadora que propuso un cambio tal que el noventa por ciento de las obras son trabajos de mujeres. Con  esta femineidad casi exclusiva llama la atención la ausencia de obras con componente electrónico. Las artistas tejen, hacen flores, recolectan especímenes y pintan, lo que da como resultado una bienal que no es participativa en la activación, ni multisensorial con componente virtual, sino que es contemplativa (aunque la palabra haya caído en desuso). En toda la exhibición, pero especialmente en Giardini, sobrevuela una intensidad amorosa extrema de máxima sensibilidad y si la denuncia existe, está atenuada por el color o la factura perfecta. 

Cecilia Alemani basó su curaduría en el libro The Milk of Dreams de Leonora Carrington, donde la autora relata historias infantiles en tono surrealista, casi siempre con un final esperanzador. Para componer dicha curaduría, Alemani eligió más de mil trabajos de artistas de todo el planeta, la mayoría, entonces, con tono surrealista. La muestra en Giardini se inicia con Katharina Fritsch (Alemania, 1956) y su elefante, réplica de un modelo vivo pero en color verde y, como no podía faltar en los tiempos que corren, rodea la sala con espejos porque las selfies se imponen. 

Elephant, de Katharina Fritsch (1987)

A continuación una instalación de la galardonada artivista Cecilia Vicuña (León de Oro a la trayectoria) y, frente a ésta, tres monumentales esculturas en fibra de Mrinalini Mukherjee (India, 1949-2015). Estos tótems en colores tierra pivotean entre la abstracción y la figuración y por su  posición erguida lucen como deidades.

La bienal cuenta con varias “cápsulas del tiempo” conformadas por artistas del siglo  XX  que adherían fundamentalmente al movimiento surrealista, como Ovartaci. Esta creadora que nació con sexo masculino, pero que  se percibía mujer,  pudo cambiar de sexo gracias a una cirugía en su adultez. Su vida  fue sumamente difícil, pasando por centro psiquiátricos y con desprecio familiar, lo que provocó en ella la creación de figuras amorfas, entidades entre animal y humano y que en una de las pinturas aparecen formado un círculo, como si adhirieran a algún rito pagano. 

En este acotado grupo que elegimos  en representación de Giardini sumamos a Hannah Levy (New York, USA 1991), una artista que ya conocíamos de otras presentaciones, como la feria Frieze de Londres. Sus objetos provocan repulsión y admiración al mismo tiempo, ya que parecen animales muertos con la piel disecada: una ambivalencia de fascinante surrealismo. En esta bienal exhibe cuatro trabajos, uno de ellos simula las delgadas patas de alguna ave desconocida, otro parece representar una tienda para acampar  y un tercero sugiere una transición entre un animal con patas largas y espolones hacia un objeto contenedor. 

Sin duda los ejemplos anteriores demuestran la intención de Alemani: mostrarnos la transformación o la metamorfosis de los cuerpos y su relación con otros individuos pero, por sobre todo, con el planeta y la naturaleza. Todo el corpus curatorial gira entre la solidaridad, la simbiosis y la hermandad, representado por artistas que reinventaron la categoría del ser  humano.