14/04/21 - Los tiempos actuales, adaptados a la nueva normalidad, nos imponen otro tipo de visitas,  lugares seguros donde se pueda practicar la distancia social. De esta manera todas las obras ubicadas en parques y espacios naturales merecen volver a visitarse o acercarnos a museos o exhibiciones fuera del cubo blanco, como por ejemplo el Museo de Escultura al Aire Libre de la Castellana en Madrid.  Allí se exhibe un conjunto de energéticas y monumentales esculturas sobre una extensa superficie descubierta (excelente forma de redefinir espacios desocupados como, por ejemplo, debajo de un puente de hormigón).

El museo expone 17 esculturas abstractas del sigo XX de artistas españoles, todas ubicadas sobre las escalinatas y la explanada por donde circulan cientos de transeúntes diariamente. El trabajo que atrapa nuestra vista,  ni bien nos acercamos, es una estructura colgante que lleva por título La Sirena Varada, nombre orgánico y fantasioso para una mole de forma indefinida que, a pesar de su peso, parece flotar. Podemos explicarla como una visión de formas lineales y alargadas que surgen de un tronco principal, y aunque  parezca una composición austera y acromática, articula todo el espacio del museo. Las otras esculturas se ubican simétricamente en relación a La Sirena Varada. Sobre la izquierda una mole vertical de tono picasiano de Alberto Sánchez (1895-1962)  define a dos toros en magnífico conjunto. Sobre la derecha La Petit Faucille (La Pequeña hoz), de Julio González (1876-1942), se extiende en delicado equilibrio y nos permite adivinar los elementos que le dieron nombre. 

Dos trabajos biomórficos que sugieren animales fueron instalados sobre las escalinatas: un sugestivo y estilizado pájaro de Joan Miró y un mamífero sedente que parece dormido de Marcel Martí. Sobre la izquierda, pura abstracción en dos obras que combinan elementos geométricos. A una de ellas (Al otro lado del muro), debido a las continuas agresiones sufridas, se le debieron sustituir las esferas de acero por éstas que vemos en la foto. Cruzando el paseo de la Castellana, dos piezas independientes forman Unidades-Yunta, un conjunto escultórico de formas redondeadas de exagerado volumen que podrían integrarse si se unieran. 

Una idea excelente para visitar acorde a estos tiempos: escultura y aire libre. Además es una gran oportunidad para conocer a estos artistas en conjunto que se complementan a través de sus obras.

08/04/21 - Individuos Sustanciales de Mariano Giraud recibió el primer premio de la Fundación Andreani. La obra es una instalación conformada por esculturas impresas en 3D que se completa cuando el espectador, valiéndose de un soporte de realidad virtual, puede recorrerla. De esta manera, a la observación  tradicional (lo  que vemos en las fotos) se le suma el movimiento de los personajes, sonidos y una sensación abismal de ingravidez cuando usamos el visor virtual. Dos realidades contrapuestas: una en la que extraños personajes, cuchillos, manos y cráneos, ubicados sobre una plataforma a la altura del espectador nos invitan a visitar un mundo de fantasía y la otra en la que la virtualidad nos lleva a sumergirnos íntegramente en una visión en colores rosados y verdes, algo así como un paisaje ondulado con los mismos personajes rondando por todos lados. 

05/04/21 - La filósofa política Hannah Arendt escribió que, en estos tiempos, los humanos vivimos entre el pasado y un futuro incierto, por lo que debemos aprender a pensar de manera diferente, sin recurrir a los modos de pensamiento más tradicionales. Tomoko Yoneda (Japón, 1965), influenciada por este concepto, nos pide, que miremos con más profundidad sus imágenes fotográficas, ya que éstas son capaces de sugerir un futuro diferente. 

Con estas palabras de Paul Wombell nos recibe la exhibición Tomoko Yoneda en la Fundación Mapfre, en Madrid, una muestra que es casi una retrospectiva del trabajo de esta artista, focalizado en el ámbito geográfico, desde Europa hasta Asia.  

Ventana de estilo occidental, de Tomoko Yoneda (1995)

Aula 1, de Tomoko Yoneda (2004)

La primera foto corresponde a una imagen tomada luego del terremoto del 17 de enero de 1995 en la ciudad de Köbe, en Japón, lugar de residencia de la familia de Tomoko. La fotógrafa no se encontraba en la ciudad al momento del hecho pero viaja tres meses después y es allí cuando hace la toma de la ventana en blanco y negro: una imagen residual de lo que fue una tragedia natural incontrolable.  La segunda es del año 2004, cuando, con la ciudad ya reconstruida, decide hacer una foto color de un aula que sirvió de tanatorio temporal luego del sismo. 

Shenyang, China

Una foto de paisaje natural o urbano puede resultar, a primera vista, intrascendente pero si leemos la cartela, todo cambia. La fotógrafa logra imprimir tensión entre lo que retrata y lo que sucedió en estos lugares. Por ejemplo, una vista del campo minado de Paju, en Corea del Sur, hoy atracción turística, o una simple vía de tren que fue testigo de un ataque con bomba simulado del ejército japonés para justificar su invasión a Manchuria.

Pero no todo lo exhibido es sobre un desastre natural o una guerra. Uno de los núcleos curatoriales de la muestra tiene como título Entre lo visible y lo invisible, donde se nos invita a mirar a través de los anteojos  de figuras destacadas del siglo XX. Lo que se intenta es acercarnos a una frase de un libro o de una carta que todavía causan impacto en nuestros días. Las tomas nos ubican en el lugar exacto donde estaría la figura histórica, lo cual nos ayuda a imaginar lo que podrían estar pensando en ese preciso momento. 

Por último elegimos dos fotos del mundo natural, como para predecir un futuro acompañados por éste. La primera muestra los efímeros cristales de hielo que se forman a bajas temperaturas y que se deforman y desaparecen ni bien aumentan los grados centígrados. Es una combinación perfecta entre la estética fotográfica bauhausiana, que raya en lo abstracto, con la sensibilidad japonesa, en donde al mirar un momento fugaz del mundo físico, se puede revelar algo más profundo sobre la naturaleza de la existencia. En la segunda solo se observan unos crisantemos que parecen medusas flotando en el oceáno.

Crisantemos, de Tomoko Yoneda (2011)

La muestra es extensísima: ocupa casi tres pisos de la fundación. La curaduría es excelente: cada foto lleva su explicación como para no perder detalle de lo que estamos viendo. Lamentablemente, como ocurre en casi todas las exposiciones en las que se exhiben obras con un vidrio delante, es imposible evitar la interferencia del reflejo provocado por el cristal (las luces en el montaje parece que no se estudian nunca en profundidad).

29/03/31 - La expresión inglesa "fit to be tied" se refiere a alguien que se encuentra sumamente furioso. La escultora Jessica Stockholder (Seattle, 1959) se adueña de la frase y decide darla vuelta: tied to be fit. Como resultado tenemos un nuevo significado, algo así como "atado para ser adecuado". Con este juego de palabras la artista da vida a una instalación conformada por gruesas cintas entrelazadas, de vivos colores, que forman una estructura de varios metros de largo. 

Stockholder logró generar un producto que invade el espacio de la Galería Max Estrella de Madrid, un monumental entramado de color que dialoga e interviene a la arquitectura. Assist: Tied to be fit- Middle Period- nos hace tomar conciencia del espacio al que se adhiere, mientras que su color invade el cubo blanco con movimiento serpenteante a pesar de ser una escultura inmóvil. No podemos resistirnos a seguir este objeto que se prolonga y prolonga, ver hasta dónde nos lleva el recorrido que va haciendo la ondulante escultura. Pero no hay un orden, solo se trata de un juego que nos cautiva por algunos minutos.