Lamentation over the Dead Christ, de Andrea Mantegna (1483)

Madonna and Child with Saints, Angels and Federico da Montefeltro (San Bernardino Altarpiece), de Piero della Francesca (1472 – 4)

Medidas: 251 × 172 cm

La Pinacoteca de Brera es un edificio ubicado en el corazón de Milán y cuenta en su colección con una serie de obras icónicas de la historia del arte. Encontramos allí aquellas pinturas referentes que ocupan espacios privilegiados en los libros, como la obra de Piero della Francesca, que ubicó seis santos y cuatro ángeles, rodeados de diferentes tipos de mármol, en semicírculo alrededor de la Virgen y el Niño. Esta corte celestial cuenta además con el comitente de la pintura: Federico de Montefeltro  (el señor de Milán). Es una pintura silenciosa ya que los labios de las figuras están sellados: solo es contemplación.

"Cena en Emaús" es una pieza sublime de Caravaggio, probablemente pintada en Colonna, donde el artista de refugia luego de haber asesinado a Ranuccio Tomassoni. La que sigue es la obra más fotografiada de esta colección: "El beso", de Francesco Hayez, un pionero del Romanticismo en Italia. Se exhibió por primera vez en 1859 justo en la 2da Guerra de la Independencia, una victoria que logra la naciente Italia gracias al apoyo del ejército francés. No solo nos sentimos atraídos por la imagen del beso sino porque se reconocen en las vestimentas los colores de ambas banderas. 

Éstas son algunas de las estrellas de esta colección que se exhibe en un edificio que supo ser un monasterio en el Siglo XIV hasta que fue adquirido por Maria Teresa de Austria, convirtiéndolo en un Instituto de Arte y Biblioteca. Es ella quien comienza esta increíble colección de pinturas.

19/01/23 - El Museo Mauritshuis de La Haya conserva en su colección permanente una pequeña pintura de Carel Fabritius (Paises Bajos, 1622-1654) cuyo título en inglés es The Goldfinch, un retrato de un pájaro de pequeñas dimensiones sobre fondo blanco. La obra es de 1654, el mismo año en que fallece el artista, a la edad de 32 años en Delft, a causa de una explosión. A pesar de que su producción es escasa, solo se registran 12 pinturas, cada una de ellas es una obra maestra. En el caso de El jilguero, la veracidad del plumaje y la expresión del pájaro la definen como “trompe-l’oeil” por su realismo encantador. Aún observando desde muy corta distancia. el pájaro luce como si estuviera vivo por la cantidad de detalles, además de lo bien conservada que se encuentra la pintura (no pasa lo mismo con La joven de la Perla, que se exhibe en la sala contigua,  la cual ha perdido el misterio por las continuas restauraciones).

The Goldfinch es también el título de un libro de Donna Tartt que cuenta la historia de esta pintura salvada por un niño de una explosión en el Museo Metropolitano de New York (?) donde fallece su madre. La pintura se cree perdida pero Theodor Decker (así el nombre del personaje) la esconde en su cuarto. El libro se llevó al cine pero no tuvo un gran éxito.

Strangers Clay: Ceramics in Contemporary Art fue una expo de la galería londinense Hayward, donde se exhibió un extenso grupo de artistas contemporáneos que usan la cerámica para sus trabajos.

Los tres pisos de esta galería (que cobra entrada a los visitantes) fueron ocupados por las obras y tanto la curaduría como el montaje y la cantidad de objetos exhibidos podrían haber formado parte de cualquier museo de Arte Contemporáneo (extraordinaria).

Para este recorrido y para un mejor desarrollo de este post, nos focalizamos en los artistas expuestos:

Betty Woodman (USA 1930-2018) se anuncia ni bien se ingresa a la muestra con una extensa instalación de elementos en cerámica esmaltada. En realidad se trata de una serie de fragmentos dispersos por toda la pared de la sala, como por ejemplo una cascada de vasos y vasijas pigmentadas que caen con cierto dramatismo hacia el piso. Aunque este dramatismo se diluye debido a la coloración y al ritmo que imprime la artista a su cerámica, como un arco iris de objetos con innegable influencia griega. 

Liu Jianhua (China, 1962) presenta alrededor de cien objetos que recorren toda una pared de la galería, pero a diferencia de Woodman, las piezas no están coloreadas. El material es porcelana en realidad y la artista incluyó además de objetos cotidianos, juguetes y hasta prendas de vestir. Llama la atención lo imperfecto de los objetos, ya sea porque se observan las huellas dactilares (que suponemos son de la artista) como roturas y descascarados, probablemente del proceso de producción, recordándonos, entonces, la fragilidad del material. 

Lindsey Mendick (UK, 1987) desató su furia en cerámica entregándonos un mini-departamento invadido de especímenes desagradables. La cartela cuenta que la artista nos presenta un hogar como si fuera un campo de batalla, a partir de una multitud de elementos en cerámica divididos en pequeñas escenas llenas de drama y conflicto: exudan humor cada una de las representaciones. Esta tragicómica instalación es de un detalle y de una minuciosidad asombrosa: aplausos para Mendick.

David Zink Yi (Perú, 1973) tiene el mérito de la obra más fotografiada de la muestra. No es para menos, se trata de un calamar gigante recostado en el suelo del último piso de la galería. La pieza en cerámica, reproducida hasta el último detalle, yace sobre su propia tinta. Luce aún más real, como recién salido del agua, porque el artista glaseó con un proceso minucioso el cuerpo del molusco. No podemos dejar de preguntarnos si existe así en la naturaleza o es un animal mitológico o extinto.

Klara Kristalova (República Checa, 1967) es la artista de la última instalación que presentamos de esta muestra. Kristalova se remite a la infancia y tridimensionó el cuento de Caperucita Roja, o cualquier otra fantasía infantil donde el lobo es el protagonista principal. Son 18 figuras entremezcladas con pasto seco alrededor (como si fuera un bosque que sufrió una apocalíptica sequía), donde se destaca el lobo acompañado por una serie de hibridaciones tenebrosas, propias de los cuentos infantiles o mitológicos.

Una curaduría minuciosa que reunió a varios artistas que trabajan con este material, que puede resultar menospreciado o hasta fuera de lo que se exhibe habitualmente en la contemporaneidad.

Una curaduría con cambio de paradigma: La de Cecilia Alemani en la Bienal de Venecia porque exhibió a las artistas en el exacto lugar donde deberían haber estado en la Historia del Arte de Occidente. 

Cuando ya parecía que habíamos visto todas las muestras con artistas como protagonistas, aparece la curadora en un espacio internacional con un relato que incluyó una búsqueda y un análisis exhaustivo, una elección de obras exquisitas y una recuperación de objetos artísticos olvidados, ensamblados en un montaje fuera de todo lo previsto. Alemani se atrevió a incluir en la mostra del arte contemporáneo por excelencia no solo trabajos de años pasados sino de siglos pasados. Aquello que estuvo olvidado o rechazado por ser de una artista mujer salió a la luz sin prepotencias y sin discursos agresivos. Allí estuvo simplemente porque le correspondía. Gracias a Alemani o quizás no, las artistas dominaron el espacio artístico como también los precios en el mercado.

Un mercado que no parece tener techo: El mercado de arte vivió en este 2022 un exuberancia exagerada, quizás por los dos años de encierro o porque salieron a subasta colecciones espectaculares, como por ejemplo la de Hubert de Givenchy, la de Paul Allen y las de otros amantes del arte, donde se obtuvieron precios cientos de veces superiores a los que se habían adquirido y a los estimados. ¿Quiénes compran? En primer lugar los menores de cuarenta años que saben que el arte es un bien duradero y que se experimenta todos los días manteniendo su precio y en segundo lugar, los chinos. 

Una situación repudiable: Lo que hicieron los grupos ambientalistas, simulando o hasta dañando las obras en los museos más renombrados. La intención es llamar la atención sobre el cambio climático pero no hacía falta embadurnar a la Mona Lisa con crema, ni arrojar sopa sobre Los Girasoles de Van Gogh ni tampoco pegarse a La Ultima Cena. Pregunta: ¿Siendo estas obras unas de las más protegidas, dónde estaba la seguridad de la sala?

Una baja inesperada: El mercado de las NFT se fue evaporando más aceleradamente de lo que surgió.  Se atribuye la marcada disminución en los valores, o el interés, a la caída de las criptomonedas en el mundo. Recordemos que en 2021 Everydays: the First 5000 Days de Mike Winkelman (Beeple) se vendió en casi 70 millones de dólares, augurando un futuro de los más auspicioso en la tecnología emergente. El punto máximo de la curva fue en octubre de 2021 cuando en Sotheby’s las NFT  alcanzaron los 4,8 billones de dólares. Luego de ese suceso las criptomonedas se congelaron y lo mismo ocurrió en el mercado del arte con estas obras. ¿Qué aprendimos? Los clásicos nunca nos defraudan. 

Una sorpresa: Las muestras inmersivas dieron la vuelta al mundo con un éxito descomunal. El público en general no parece preocuparse  por la ausencia del aura.. poco  importa no tener en frente el original, sino recibir una catarata de sensaciones visuales, auditivas y hasta físicas a través de réplicas de  obras icónicas (en las que habitualmente se basan estas muestras). Por lo tanto, entendemos, luego de este suceso que  los recursos argumentativos o las curadurías con varios núcleos explicativos resultan poco interesantes,   el espectáculo o la diversión son los que llevan más público.